Avanzamos años, contando con distintos músicos escribiendo sobre algunos de los mejores discos de una década infravalorada en el rock/metal

 

Seguimos adelante en este gran reportaje con 1991. Podéis leer la primera entrega perteneciente al inicio de la década en este enlace. Esta es una de las partes más numerosas, y da una idea de la calidad que hubo en este año. Roberto Villandiego de REVOLVER ESPAÑA aparece por primera vez, aunque será habitual verlo en los siguientes capítulos. Si en la primera parte de este reportaje hablábamos en las presentaciones de CLOCKWORK, aquí volvemos a contar con dos de sus componentes. Curiosamente, si hace poco compartían fechas con ellos, SEPULTURA es el grupo escogido por Javi García para su participación en “90 de los 90”. Por su parte, Andoni Bassman hablará de DEATH, después de haber participado (junto a sus compañeros de banda) en el tributo a Chuck Schuldiner hace unos meses, ‘Back from the Death’. De ANGELUS APATRIDA ha colaborado David G. Álvarez; se encuentran llegados hace unas semanas después de haber recorrido toda Europa junto a 3 INCHES OF BLOOD, GOATWHORE y HAVOK. Ya han empezado con las fechas en España (festivales), y tras el verano girarán por salas presentando su flamante ‘The Call’, del que nos hablaron en esta entrevista. Recordar también su canal personal de vídeos en YouTube, llamado New Level Music, así como su facebook , donde da información sobre sus clases de guitarra. Emilio Sánchez representa a TAO TE KIN, que después de algunos retrasos editarán en Septiembre su segundo álbum, ‘Cuaderno de Bitácora de un viaje aún por hacer’; un viaje que seguro que nos transporta a un lugar de ensueño si tenemos en cuenta cómo sonaba su adelanto hace unos meses, ‘Ram’. Otros a punto de sacar su segunda obra son UNSOULED, que han estado grabando las pasadas semanas la continuación de ‘Start Over’. Su bajista Jose Carlos Asensio fue de los primeros músicos en sumarse a esta iniciativa. Lo mismo digo de David Sobrino, de las agencias Pegada Brutal y Sobry Music, que tantos grupos de calidad llevan en el panorama nacional; aparecerá por partida doble en este año y el siguiente. Además, actualmente se encuentra en el grupo WULGAR. Otro que tiene doble tarea es Carlos Expósito; en el ámbito del rock/metal es conocido por ser el baterista de STRAVAGANZZA (que tras la publicación de 'Raíces' se tomaron un descanso), de la primera formación de 037, o en la actualidad de JORGE SALÁN. A eso hay que sumar haber grabado cuatro temas del último trabajo de JEFF SCOTT SOTO y formar parte de las bandas en directo este verano de IGUANA TANGO y LEO JIMÉNEZ (en su nuevo proyecto en solitario); y ya si nos ponemos, haber estado en la misma situación con Merche, Andy & Lucas, Pepe El Marismeño, Bertín Osborne… Un todo terreno y un currículum envidiable. De GAUNTLET tenemos al guitarrista y cantante Miguel Rocha. El grupo está de enhorabuena tras la publicación de ‘Stubburn’, que está cosechando sobresaliente tras sobresaliente en las críticas especializadas; uno de los discos del año. Por último (pero no menos importante), Sara de Prado de los burgaleses NUSICK aparece por primera vez en este macroreportaje (repetirá en otra entrega); la banda se encuentra preparando lo que será su disco de debut mientras siguen cogiendo tablas en directo.

 

SEPULTURA – Arise, por Javi García de CLOCKWORK (Web / Facebook)

SEPULTURA nunca se han andado con rodeos  o artificios a la hora de escribir temas, haciendo lo que es realmente difícil: escribir partes tremendamente complicadas técnicamente y a su vez conservar unas estructuras totalmente accesibles y adictivas, sin perder nunca la intensidad. Tengo que admitir que ‘Arise’ fue el primer trabajo de ellos que escuché, me marcó profundamente, tanto en el concepto del sonido, como en el concepto global de album. Por aquel entonces tocaba en una banda crossover de Bilbao llamada BEER MOSH, y definitivamente ‘Arise’ influyó tremendamente en mi manera de escribir y atacar a los riffs por aquel entonces.

A mi parecer, este es un clásico, una biblia de la historia del metal, un disco inmortal que no ha envejecido un ápice en veintidós años… y dudo mucho que lo haga en un futuro. Es, en mi opinión, perfectode principio a fin, una obra maestra. El orden de los temas es absolutamente brillante; de hecho cada vez que lo enchufo en mi iPod, me lo escucho entero prácticamente siempre. Es una apasionante obra de arte que pide ser escuchada en su totalidad. Con este álbum, SEPULTURA se superaron tremendamente en cuanto a sonido respecto a su brillante antecesor, ‘Beneath the Remains’, el cual tenía unas guitarras bastante pobres, con poca definición. Con una produccion a cargo de Scott Burns en los míticos estudios Morrisound de Florida, el cual estaba equipado apropiadamente para inmortalizar un album de Thrash/Death nacio esta bestia, con una produccion cristalina que te da un hostiazo en la cara.

Las guitarras en ‘Arise’ son atronadoras y a su vez definidas, así como el sonido de batería, con esa caja seca tan característica, que hacen que suene en conjunto como si te estuvieran golpeando la cara con un martillo. Este disco es el ultimo en el cual mantienen las raíces Death de sus predecesores y, según mi opinión, con la dosis perfecta de Thrash: es perfecto y totalmente equilibrado. Max Cavalera está en el punto más álgido de su carrera en cuanto voces, con unas frases totalmente directas y lapidarias, llenas de rabia. El trabajo de Igor Cavalera es monumental, impresionantes breaks, trepidantes cambios de tempo… de hecho, las baterías de Igor son por sí solas musicales, en muchos temas protagonistas absolutas, da la sensación de que las guitarras han sido escritas para la batería… es algo de lo que estoy convencido. Qué decir de Andreas Kisser, mi mayor influencia en aquel entonces y aun hoy, después de tantos años. Sólo necesitas escuchar dos segundos de un solo para saber que es el, algo que la gran mayoría de los guitarristas solo pueden soñar. Es muy difícil destacar un tema, pero si tengo que elegir uno me quedo con ‘Arise’ con claridad, es un himno del metal, uno de los temas por los que SEPULTURA será recordado eternamente.

Tema destacado: ‘Arise’

Discos relacionados: OBITUARY – Slowly We Rot / SLAYER – Seasons in the Abyss / KREATOR – Extreme Agressions

 

DEATH – Human, por Andoni Bassman de CLOCKWORK (Web / Facebook)

Estando completamente inmerso, allá por los años 80, en el Thrash Metal recién estrenado de bandas como SLAYER, METALLICA, ANTHRAX ,TESTAMENT o KREATOR, surgió un personaje controvertido que, no sólo le dio una vuelta de tuerca más al Metal más duro, sino que además nos marcó a gran parte de una generación que estábamos ansiosos por recibir buenas dosis de agresividad en lo musical.Por supuesto hablo de Chuck Schuldiner, quien fuera líder de DEATH, una de las bandas estandartes de un género con un gran camino por recorrer, el Death Metal.

La evolución discográfica de DEATH fue digna de una gran banda, y fue marcando la tendencia disco tras disco. Una evolución que abarca desde los inicios más corrosivos y viscerales en discos como ‘Scream Bloody Gore’ o ‘Leprosy’, hasta una etapa de autentica madurez, mucho más depurada y técnica, reflejada en este álbum ‘Human’. Este álbum marca perfectamente la transición entre ambas etapas de la banda, y dejó abierto el camino que posteriormente recorrería el propio Schuldiner. Personalmente considero los cuatro primeros discos del grupo (los tres citados y ‘Spiritual Healing’) autenticas biblias del death metal.

Y concretamente en ‘Human’ es donde se encuentran quizás los temas más complejos, cargados de una técnica impresionante sin perder ni un ápice de agresividad. No en vano Schuldiner reclutó para este disco músicos de la talla de Paul Masvidal a la guitarra, Sean Reinert a la batería, o el grandísimo Steve DiGiorgio al bajo fretless (bajo sin trastes), algo bastante inusual para este estilo, pero que le daba a la mezcla final un sonido único e inconfundible. También en este aspecto fue innovador y hoy en día es más habitual encontrar este tipo de bajos en grabaciones death metaleras.

Es difícil escoger uno o dos temas de este disco, ya que me parece una obra completa, de principio a fin, en la que brillan tanto cada músico por separado como la conexión que establecen entre todos. Quizás pueda ser algo especial ‘Lack of Comprehension’, tema que aprovecharon para hacer el primer videoclip de la banda. Con un inicio creando un ambiente espectacular, para acabar demostrando esa mezcla de agresividad y virtuosismo propias de esta banda.

Personalmente siento predilección por el tema que abre el disco, ‘Flattening of Emotion’s’, toda una declaración de intenciones de lo que viene después, absolutamente en todo el disco.

En definitiva, puedo afirmar que esta banda me hizo entender la música de una manera diferente, y marcó mi propia trayectoria musical sin concesión alguna, tanto desde la parte de consumidor como desde la parte activista musical durante mis años de militancia en PHTHISIS, a principios de la década de los 90, y a día de hoy, embarcado en una propuesta mas thrasher, como es CLOCKWORK, el legado de Schuldiner sigue estando presente en mi propia forma de vivir el METAL.

Tema destacado: ‘Flattening of Emotions’

Discos relacionados: DEATH – Scream Bloody Gore / DEATH – Leprosy /DEATH – Spiritual Healing

 

U2 – Achtung Baby, por David G. Álvarez de ANGELUS APATRIDA (Web / Facebook)

Renovarse o morir. Cuantas veces un artista toca techo, vendiendo millones de discos, aclamados por la crítica y amados por su público. Y tras el tiempo vuelven con la misma fórmula, los mismos patrones que les dieron el éxito… y como cometen de esta forma el error que les acaba hundiendo su carrera. O bueno, les hacen sobrevivir sus clásicos de tiempos pasados, esas canciones que mantienen el fuego del hogar, y bien llenas las cuentas bancarias con los derechos de autor. Los irlandeses tocaron techo con ‘The Joshua Tree’, un disco que marco una época, una nueva forma de expresar la música, algo totalmente único. Ya empezaron a temblar con ‘Rattle and Hum’, que aunque tuvo cierta repercusión y les permitió girar de nuevo, parecía que la leche empezaba a ponerse agria… En el ultimo concierto de aquella gira, Bono comento que qyerían hacer una especie de despedida, no sabían si buena o mala, si era el fin de algo; quizás un nuevo camino… Lo dehjó así, en el aire, para todos sus seguidores. Qué fácil hubiera sido intentar recrear un Joshua Tree en cierta parte, aunque cuando algo es único, también es irrepetible, y pocas segundas partes son tan mágicas como las primeras. Ahí estaban, con el mundo a sus pies, y ellos sufriendo un proceso de estancación muy difícil (creo que es lo más angustioso que le puede pasar a un músico). Guardaron silencio absoluto durante una temporada, se mudaron a Berlín a darle forma al nuevo plástico y pusieron toda la carne en el asador. Potenciaron la sección rítmica con influencias cercanas al techno o al dance, pero con la esencia total de Larry Mullen Jr. The Edge, que según contó él en varios medios, pasaba por la época más depresiva de su vida, en medio de su divorcio y mil penurias, mutó totalmente en su estilo de tocar la guitarra, incorporando novedades muy originales a su ya original y único estilo de guitarra. Todo empezó a cambiar, y el resultado no pudo ser más increíble, un disco totalmente opuesto a lo que habían hecho, una fórmula novedosa, y quizás, de las mejores canciones de la banda hasta la fecha, a la altura de sus clásicos de siempre. La primera vez que oí ‘The Fly’ me engancho por completo, la intro de ‘Zoo Station’ me sigue poniendo los pelos de punta aun. Temas como ‘Mysterious Ways’ o ‘Until the End of the World’ son auténticas bombas en su directo. Lo que más me gusto siempre es el efecto que consiguieron en el disco, y luego comprobar cómo le daban la vuelta a la tortilla en directo, sin perder ápice de la esencia respecto a las grabaciones originales (a mi particularmente me gustan más las versiones en directo).  Que vamos a comentar de ‘One’… ¿alguien que no la conozca? Brillante canción, brillantes arreglos… Pero mi tema favorito siempre sera ‘Even Better Than The Real Thing’ y UltraViolet (Light my way). La primera, con ese inicio de whammy, esos slides intermedios. Todo el mundo habla de las Rickenbacker por los Beatles, pero The Edge hizo muchísimo con esa guitarra, un sonido único. El sonido de ‘The Fly’ también es caso aparte, gran idea conectar una acústica al wah y luego al Vox Ac30 y como crear un riff que pasará a la historia. Pueden decir mucho de ellos, que si son tal, que si Bono, que la ténica de The Edge… pero me marcaron mucho desde pequeño, puede que al mismo nivel que PANTERA o VAN HALEN. Un disco irrepetible, aunque con un solo ‘Achtung Baby’ nos sobra para la historia.

Tema destacado: ‘Even Better Than the Real Thing’

Discos relacionados: U2 – The Joshua Tree / U2 – Zooropa / U2 – Pop

 

PEARL JAM – Ten, por Emilio Sánchez de TAO TE KIN (Web / Facebook)

“Once upon a time…” los primeros noventa, primeros años de instituto, primeros flirteos con el rock de la época, con la MTV, su programa Headbangers Ball y su presentadora de pelo platino y azul… De repente, dos videos que me dejan con el culo torcío, ‘A Small Victory’ de FAITH NO MORE, y en especial ‘Jeremy de PEARL JAM. Otro rock era posible, estaba ahí y me decía “¡es tu rollo!”. Ya sabía lo que quería ser de mayor. No tardé en hacerme con ‘Ten’…  ¡¡¡en cassette!!! Madrid Rock de Gran Vía (D.E.P.), 1.230 pesetas (aprox.) y mi walkman en autoreverse echaba humo hasta fundir las pilas, bajando dos octavas la voz de Vedder sin importarme una mierda. Era casi enfermizo, pero me hipnotizaba la gravedad y la intensidad de esa voz subiendo y bajando, interpretando, desgarrándose, construyendo melodías tan nuevas para mí, empastando a la perfección con la fuerza del colchón musical, los adictivos riffs de guitarra hard rockeros a tope y los solos setenteros de McCready…  y es que, llegaba ‘Porch’ y tenía dejar lo que estaba haciendo porque me atacaba sobremanera; a la versión de su Unplugged me remito: ¿se ha visto versión acústica más cañera de un tema que esa alguna vez? NO. En fin, tras veinte años sea probablemente el disco de mi colección que mejor ha sobrevivido y soportado el paso del tiempo a las infinitas escuchas del tirón, de ‘Once’ a ‘Release’, sin sobrarme a día de hoy ni una maldita nota. No me cabe la menor duda, con el tiempo se va asentando y reafirmando en mí un pensamiento claro, una certeza: ese disco y esa voz son los que me empujaron de alguna manera sin yo saberlo a meterme en esto del Rock, “… and I’m still Alive…”

Tema destacado: ‘Jeremy’

Discos relacionados: PEARL JAM – Vs / PEARL JAM – Vitalogy / SOUNDGARDEN – Superunknown

 

QUEEN – Innuendo, por Sara de Prado de NUSICK (Facebook)

Apreciado lector, hazte un favor: ve a tu colección de discos. O desempolva tus viejas casettes. ¿Verdad que ahí está ‘Innuendo’? ¡Sí, por supuesto! Genial, ahora entenderás mucho de lo que voy a exponer. ¿¡Que no!? ¿No está ni en casa de tus padres, de tus hermanos mayores? Hazte otro favor: déjate de leer mis chorradas y ve a disfrutar de esa obra maestra. Si no queda satisfecho…  imposible no quedarlo. Esta personalísima opinión podría estar no sólo entre los “90 de los 90”, sino también bajo el título de "Mi canción favorita" y "Mi disco favorito". Aunque ambas frases o conceptos hoy me parecen atrozmente limitantes, a mis 10 años tenía clarísimas ambas respuestas…. que además, coincidían: ‘Innuendo’. No ha cambiado, si acaso ampliado, la respuesta a mis veinte años… y diez años después, hoy día, ahí sigue, entre mis canciones y álbumes favoritos.   E incluso vídeos favoritos. Porque es innegable que la carta de presentación del vídeo ‘Innuendo’ para el gran público tuvo una repercusión internacional, y que aún llega con fuerza a nuestros días. Esas escenas oníricas, que forman parte del imaginario colectivo de todos nosotros, esas referencias al folklore de nuestro sur, también con guitarras clásicas españolas… y donde se disimulaba el estado de salud de Freddie, al no salir claramente en ningún plano, siendo ilustrados mediante efectos. En fin, un vídeo a la altura de un tema y álbum que ya forman parte del patrimonio cultural de nuestra raza humana, por derecho propio. ¿Exagero? Escucha ‘The Show Must Go On’… si es que sus acordes no están ya sonando en tu cabeza, grabados a fuego. Ese tema, que  cierra el álbum magistralmente, sigue manifestando ésa idea de que Freddie sentía cerca su final. Toda una manera de enseñarnos a vivir, pues pese a ello, compartió con ese tema sus ganas de luchar hasta el final. Y haciéndose inmortal por ello tiempo después, pues, dicen, la verdadera muerte es el olvido, y veintiún años después sigue sonando y resonando en nosotros.

Queda claro que no estoy escribiendo esto desde mi visión del álbum como música que soy. No comento sobre la obvia calidad de uno de los más admirados cantantes de la historia en uno de sus trabajos más emocionantes. No he hecho hincapié en la obviedad de unidad de la que fue la banda, de la gran calidad compositiva, de producción y variedad estilística de todo el disco. En joyas como ‘Bijou’, en la que May muestra que siempre será uno de los mejores guitarristas. Esas líneas de bajo de John Deacon, de una aparente sencillez y poderosa maestría que acompañan al ritmo limpio e imparable de Taylor. Quizá no profundizo en lo técnico de ‘Innuendo’ porque he dejado hablar a esa niña de diez años que saltaba como loca cantando ‘Headlong’ (sin entender nada, con su incipiente nivel de inglés de EGB) o montaba sus primeras "coreos" con el rock que copiaba a sus hermanos mayores y temas como ‘Ride the Wild Wind’. Esa niña que pensaba para sí “me gusta tener diez años, no quiero crecer" y ahora, habiendo disfrutado del paso de los años, entiende en parte el por qué Freddie nos dejaría. De hecho éste fue su último álbum de estudio. Por suerte, su legado en QUEEN sigue vivo. Y aún presente en nuestros discos favoritos. ¿O no?

Tema destacado: ‘Innuendo’

Discos relacionados: QUEEN – A Night at the Opera / BRIAN MAY – Back to the Light / FREEDIE MERCURY & MONTSERRAT CABALLE – Barcelona  

 

METALLICA – Metallica, por David Sobrino de WULGAR (Facebook)

Después de alzarse como la banda de metal más grande del planeta, METALLICA, tras realizar lo que, muy posiblemente, fue su gira más exitosa a nivel de llamamiento de masas con su aclamado y controvertido disco ‘…And Justice For All’, se enfrentaban a la prueba de fuego más dura de su carrera: continuar con el legado creado desde sus inicios como el grupo revolucionario del thrash metal americano, o bien, consolidarse como la banda de rock más importante de aquella época; tras más de 2 años de trabajo y sumergidos en el estudio, bajo la tutela de Bob Rock y Randy Staub (siempre olvidado), el grupo optó finalmente por “subirse al carro” del sonido, la imagen y la producción de los años 90; no se equivocaron y lograron sacarse de la manga uno de los discos más emblemáticos de la historia del rock, del que han venido sacando beneficios hasta la actualidad, y con el que construyeron una de las mayores “empresas” musicales jamás vistas: los METALLICA de hoy en día.

Sin entrar a cuestionar las formas, ni la visión del grupo por entonces, nadie, con dos dedos de frente, puede cuestionar la calidad del disco en sí, prácticamente perfecto de principio a fin y en todos sus aspectos, con una producción que, aún hoy en día, sigue siendo un referente para los ingenieros de sonido actuales, y con una cantidad de canciones tan exageradamente buenas que podría tratarse más bien de un recopilatorio de grandes éxitos.

METALLICA comenzó su particular lucha contra sus seguidores a partir de 1991, con un disco que pintaba “muy negro” para unos y muy innovador para otros. Al final, y como siempre sucede, el tiempo pone a cada uno en su lugar, y Black Album se impuso al corazón de muchos y, con razón, se consolidó como el disco más vendido de los de San Francisco, y con el que realizaron una de las mayores giras de su carrera, presentando prácticamente todos y cada uno de los cortes de esta pieza maestra en cada show. Cortes que se fueron convirtiendo en clásicos de la banda con el paso del tiempo, empezando por su monstruoso tema apertura ‘Enter Sandman’ (la definición perfecta de single), y terminando por ‘Nothing Else Matters’, la balada más famosa de la banda (aunque no la mejor), y que llevó al grupo a colarse hasta en las habitaciones de aquellas chicas que llevaban carpetas forradas con fotos de los New Kids on the Block; Todo un despropósito para muchos, y toda una lección para otros. Pero el disco no solo se nutría de estos dos temas, sino de muchos otros que alcanzaron las cotas más altas del éxito, como ‘The Unforgiven’, ‘Sad but True’, ‘Wherever I May Roam’ o ‘Of Wolf and Man’, tanto que desde sus inicios se convirtieron en clásicos de la banda y en temas indispensables en cada uno de su setlists.

Sin embargo, quizás el éxito del disco no solo fuera fruto de la controversia creada, sino de la solidez de un álbum cuidadosamente producido, en el que el colchón de grandes temas como ‘My Friend of Misery”’(infravaloradísima canción y uno de los mejores temas de la banda, musicalmente hablando), ‘The God That Failed’ o ‘The Struggle Within’, hacían que el resto de canciones potencialmente buenas, consiguieran convertirse en obras maestras.

En conclusión, Black Album no solo fue un punto de inflexión en la discografía de METALLICA, sino una lección a la hora de abordar un disco en todos sus aspectos. Más de 20 años después de su lanzamiento, sigue siendo todo un referente para cualquier músico, banda, productor o empresario que quiera crear una pieza magistralmente “simple” saltándose las normas de lo establecido.

Tema destacado: ‘My Friend of Misery’

Discos relacionados: MEGADETH – Youthanasia / PANTERA – Vulgar Display of Power / BON JOVI – Keep the Faith

 

SKID ROW – Slave to the Grind (Miguel Rocha de GAUNTLET (Web / Facebook)

Corría el verano del año 91 cuando servidor acababa de terminar 1º de B.U.P. Entre mis coleguis del insti estaban un tal Rafa (más conocido ahora como Rown Houland) y, por supuesto, mi amigo del cole Dani (Dagarod). Recuerdo esos ratos de recreo, bocata en mano, hablando de nuestros grupos favoritos… Sí, de fútbol y pibas también.

Era el cumple de mi amigo Rober y decidimos regalarle el último de los SKID ROW, que nos habían dejado flipaos dos años antes con su debut homónimo, una joya del hard rock de un  joven grupo de New Jersey apadrinado por BON JOVI. Si mal no recuerdo, Richie Sambora compartió grupo con Dave “The Snake” Sabo antes de unirse a Jon. Bueno, pues fui tan cutre de comprarle la cinta -sí, cinta- y quitarle el plastiquito y grabármela antes de entregársela a mi amigo como regalo.

Un lick rock’n’rollero de sonido limpito y chorusil daba paso a la aterciopelada voz de Sebastian Bach… “Well outside my window there’s a whole lot of trouble comin’…” qué buena pinta tiene esto. Y de repente… “CLONK, CLONK, CLONK, CLONK” esos cuatro cencerros como cuatro collejas y la voz que se desgarra para dar paso a un temazo como ‘Monkey Business’. Un riff de quintas invertidas, por el que muchos grupos hubieran matado, sobre una base rítmica con un groove de cojones y todo aderezado con unas líneas de voz cantadas con una mala hostia sólo equiparable al feeling de la interpretación de todo el grupo.

Ese feedback que precede al primer acorde de Slave To The Grind lo reconocería entre miles de acoples de la de veces que lo he podido escuchar. Dejaban claro que SKID ROW que sabían tocar Heavy Metal. Un tema furioso, rápido y directo a la yugular, con una letra que es toda una declaración de intenciones.

‘The Threat’ era el tercero, amenazante como el propio título advierte. Otro riffazo marca registrada, con las dos guitarras y el bajo al unísono jugando con la pentatónica de manera magistral. Cierto es que técnicamente, tanto Scotti Hill como Dave “The Snake” Sabo, no eran unos virtuosos, y tampoco presumieron de serlo, pese a ser portada muchas veces de las más prestigiosas revistas de guitarra, pero su tratamiento de las rítmicas, a mi parecer, era buenísimo. Vale, eran un poco guarrillos… ¿y qué? ¡Esto es rock’n’roll, tronco! Scotti bebía directamente de las fuentes del Blues y el Rock más clásico y Snake estaba más influenciado por Van Halen, Rhoads o Frehley. Una combinación explosiva.

El jefe del cotarro, Rachel Bolan (que tomó su apellido prestado de Marc Bolan, frontman de T-REX y su nombre… eerrr,pues no sé, de su prima la del pueblo ¡jajaja!) tiene su momento estelar en la intro de ‘Psycho Love’ con una línea de bajo quedona y pegajosa sobre la que se cimenta todo el tema. Recuerdo que filmaron un video en tres dimensiones para esta y tenías que ponerte las gafas azules/rojas de marras para verlo. Yo bajaba a tope las persianas del salón de mi casa y lo ponía a toda hostia en la tele.

Por ser unos sinvergüenzas deslenguados se ganaron la censura en algunos estados del sur de U.S.A. de la buenísima ‘Get The Fuck Out‘, cosa que yo creo que buscaron premeditadamente al titularla así (qué buena estrategia de publicidad) y fue sustituida por otra igualmente cojonuda llamada ‘Beggars Day‘, que fuera cara B de no recuerdo qué single. Esto no lo sabíais ¿eh, muchachos?

‘Riot Act‘, rabiosa y acelerada, es una buena muestra de su gusto por el punk. “Don’t say it’s raining, when you’re pissing down my back” ¡Qué bueno! Hay que reconocer que en el aspecto  lírico también estuvieron sembrados (principalmente Bolan). Unas letras extensas, más maduras, llenas de metáforas preciosas, slang macarruzo y dobles sentidos vacilones, que te aprendías aunque no supieras la mitad de lo que estabas diciendo.

No quiero dejarme en el tintero temas como ‘Livin’ On A Chain Gang‘, con un ramalazo funk que le da un groove que ya quisieran muchos grupos de la época, la machacona ‘Mudkicker‘ o ‘Creepshow‘, que es la única en la que participa el batera Rob Affuso en la composición, el principal responsable de ese soterrado regustillo funky que tienen muchos de los temas. 

Las tres power-ballads, ‘Quicksand Jesus‘, ‘In A Darkened Room‘ y ‘Wasted Time‘ constituyen el perfecto contrapunto a tan brutal álbum (¡quietos los jevis!, siempre visto desde la óptica del hard rock). La primera es una plegaria llena de dudas sobre su propia fe del creyente Rachel Bolan; en su debut recuerdo que daban gracias a Dios “por atender cinco plegarias punkies”. La segunda, un alegato contra los abusos pederastas, y la última un pedazo de tema, dedicado a un amigo de la banda, que murió a manos de la heroína (“I´d never thought you’d let it get this far, boy”) que pone los pelos de punta, desde su arpeggio inicial hasta el in crescendo con el que se cierra el último tema del disco.

Todo ello amparado bajo la producción de Michael Wagener, que no puedo calificar de menos que acojonante… ¡joder, cómo suena todo!

Y como última curiosidad, deciros que la portada es obra del padre de Sebastian Bach. Un cuadro que refleja cómo la sociedad, encarnada por un montón de gente variopinta, está cavando la tumba de un joven melenudo que nos representa a cualquiera de nosotros. Más metafórico, imposible. He de reconoceros que la primera escucha del disco me dejó tan descolocado como la fea portada, coño. Puedo decir incluso que no me gustó mucho… no esperaba tanta caña, la verdad. Pero el paso del tiempo va poniendo a todos en su sitio y, a cada nueva escucha, me iba conquistando al punto que se convirtió en uno de mis discos favoritos de todos los tiempos.

Así que, amiguitos, si con este ñaba-ñaba no he conseguido convenceros de que “Slave To The Grind” es imprescindible en vuestra estantería de CDs… ya no sé qué hacer con vosotros.

Tema destacado: ‘Slave to the Grind’

Discos relacionados: SKID ROW – Skid Row / GUNS N’ ROSES – Use Your Illution / BON JOVI – Slippery When Wet

 

OVERKILL – Horrorscope, por Juli B. Sánchez CRISIX (Web / Facebook)

Debo empezar a hablar de esta obra con una opinión totalmente subjetiva. Y es que, para mí, nos encontramos ante la obra magna de toda la carrera de Blitz y compañía. El disco se compone de once cortes que considero que crean una progresión perfecta, desde el primer momento te cautiva, y cuando acaba te deja con un sabor de boca fantástico.

En cuanto suenan las primeras notas de ‘Coma‘, ya consiguen atraparte, y no podrás salir tan fácilmente. Una intro tenebrosa que desde un principio nos marca la tónica que va a seguir el disco a gran escala; una intro que a mí me gusta llamar "la calma que precede a la tempestad". Así bien, cuando menos lo esperas, te explota en la cara; un tema ideal para abrir el disco. Sin apenas descanso para respirar llega ‘Infectious‘, un tema que hace perfecta apología al término "agresividad”. Blitz sublime, y aparte podemos apreciar cómo se desenvuelven melodías oscuras que van a estar presentes durante todo el trabajo, "Infliction, I am here".

Cuando esperas que llegue el primer respiro del disco, pues no, siguen sin descanso con ‘Blood Money‘, con un riff muy machacón a modo de apertura; tras el brutal comienzo, Blitz da la señal de salida y explota en tu car. Seguimos sin descanso con ‘Thanx for Nothin'‘, una entrada de batería magistral con la que piensas “… no puede ser, no hay descanso que valga”. Tema curioso, con riffs que se podrían catalogar perfectamente dentro de los parámetros del Hard Rock, pero evidentemente llevados a su terreno; sorprendente e innovador (en su época) dentro de lo que podía llegar a ser una banda de Thrash Metal con las características de OVERKILL. Como no, cargado de mala leche, el mensaje es simple: ¡gracias por nada!

Así llegamos al primer "respiro”, que no es otro que ‘Bare Bones’, nos adentramos en un ambiente oscuro y con un punto macabro (como he dicho anteriormente, es la tónica dominante) para, evidentemente, darnos la patada en la boca en el momento oportuno, "Now I'm back, stripped to the bone!". Así llegamos al punto de inflexión del álbum, el mismo que da nombre al trabajo; un tema lento y machacón que capta perfectamente la esencia del concepto del álbum. El inicio del tema, con el bajo de D.D. distorsionado, de alguna manera te sumerge en esa versión siniestra del horóscopo, un tema perfecto que hace justicia a lo que da nombre a este trabajo, sencillamente genial.

Así llegamos a lo que yo veo como la segunda parte del disco, unida perfectamente a la anterior por ese "mid point" que es ’Horrorscope’. Damos paso a ’New Machine’ en una línea mucho más machacona que lo que se nos ha ofrecido en la primera tanda para así dejar paso a la, vamos a llamarla, gran "frikada" del disco: la versión del clásico ‘Franskestein’ de 1973 de Edgar Winter Group. Adoro las bandas que tienen cojones que adaptar un tema clásico fuera de su género y llevarlo a su terreno; EXODUS también lo hizo con ’Low Rider’ de WAR, digno de mención y de escuchar.

Tras este "relax", OVERKILL vuelven a la carga con ’Live young, Die Free’, un corte rápido y directo. La tormenta azota de nuevo, el final está próximo y antes de la calma que cierra el álbum debían soltarnos un puñetazo sonoro en toda la cara. Gran acierto ’Nice day.. for a Funeral’. Nos acercamos al final con un tema pesado y oscuro, que habla de tu propio funeral. Sin prácticamente darnos cuenta ya estamos en el cierre con ’Soulitude ’, enlace a modo de balada con el tema anterior, y no por casualidad. Si bien hace un momento nos estaban hablando de nuestro propio funeral ahora nos deleitan con una colección de sensaciones provenientes de la propia tumba, "Falling with no end into wat I've done to me…", el final magistral para casi una hora de orgasmo musical entre tinieblas y agresividad.

Tema destacado: ‘Horrorscope’

Discos relacionados: OVERKILL – The Years of Decay / EXODUS – Fabulous Disaster / FORBIDDEN – Forbidden Evil

 

ALICE COOPER – Hey Stoopid, por Roberto Villandiego de REVOLVER

Octavo de EGB. Alguien se acerca y me deja ‘Hey Stoopid’ en cinta en una excursión al monte. Conocía a Cooper de lo que había leído en las revistas pero no había tenido ningún contacto con él todavía a nivel musical. Recuerdo que saqué la de Skid Row que estaba escuchando y puse el ‘Hey Stoopid’ con la única advertencia de mi colega de que me iba a molar. Empezó a sonar la canción que le daba título y recuerdo quedarme absorto, mirando por la ventana del autobús con esa intro, esos coros y ese slide de guitarra que arrancaba el tema. Subí el volumen al máximo y de repente todos se convirtieron en marionetas mientras la voz del señor Fournier me iba metiendo en su mundo sibilinamente. En ese momento ya estaba enganchado. Eche un vistazo a la cinta y empecé a encontrarme un montón de nombres ilustres: Joe Satriani, Slash, Nikki Sixx y Mick Mars de Motley Crue (también estaba enganchado al ‘Decade Of Decadence’), Ozzy Osbourne, Vinnie More, Steve Vai, Derek Sherinian… era como un all star colaborando en un álbum que continuaba con las hard rockeras “Love’s A Loaded Gun” y “Snakebit”, la balada “Burning Our Bed”, la inquietante “Dangerous Tonight” enlazada con “Might As Well Be On Mars”, otro tema lento con uno de esos estribillos epopéyicos y tempo tenebroso.

La cara B no podía empezar de mejor manera. “Feed My Frankestein” (compuesto con los de Zodiac Mindwarp) volvía a hacer que la sangre quisiese salirse de las venas con un solo tremendo de Joe Satriani y Alice volviendo a la teatralidad más absoluta. Tras esa otro temazo de Hard Rock, “Hurricane Years” y una recta final plagada de himnos como “Little By Little” (nunca ha sido de las recurrentes en su repertorio pero es un temazo), la balada “Die For You” (no la habré metido yo en cintas de “varios- lentas”), el trallazo “Dirty Dreams” y “Wind-Up Toy” como gran final, con un estribillo más luminoso y con Derek Sherinian a las teclas haciendo por detrás un extraordinario trabajo.

‘Hey Stoopid’ es uno de esos discos perfectos, de principio a fin, en donde Alice Cooper se deja a un lado su aspecto más “teatral” para deleitarnos con un discazo de Hard Rock con mayúsculas.

Tema destacado: ‘Little By Little’

Discos relacionados:  ALICE COOPER – Thrash / ALICE COOPER – The Eyes Of Alice Cooper / ALICE COOPER – Welcome To My Nightmare

 

GUNS N’ ROSES – Use Your Illution I & II, por José Carlos Asensio de UNSOULED (Web / Facebook)

Recuerdo cuando en las principales cadenas de televisión todavía había programas de música y vídeos musicales, y que de vez en cuando ponían vídeos de Metal. Apenas tenía once años cuando descubrí a Guns n´ Roses con la salida de sus ‘Use your illusion I-II ‘gracias a estos programas, y un amigo y yo nos tragábamos toda la programación esperando a que pusiesen algún vídeo que mereciese la pena para grabarlo en VHS. Cuando vi por primera vez el vídeo de ‘Don´t Cry’ me quedé boquiabierto. Todavía no entendía mucho del tema pero la canción me flipó, y la imagen del grupo me pareció acojonante, todo unido por supuesto a un pedazo de vídeo.

Todavía no teníamos los discos, pero ya habíamos grabado varios vídeos (o parte de ellos, porque no solían ponerlos enteros) en VHS como ‘November Rain’, otro temazo que tengo entendido que fue de los más caros de aquella época. ‘Estranged’, otro de mis favoritos. Está claro que a este grupo no le faltaba la pasta porque menudos vídeos se curraban. Cuando grabamos el de ‘You could be mine’ con las imágenes de ‘Terminator II’ no hacíamos más que ponerlo una y otra vez. Sin duda, sigue siendo uno de mis favoritos de Guns. Cuando ves la película es flipante ver a John Connor a todo rabo con la moto y este tema en el Radio Cassette.

Luego tuvimos la suerte de que el hermano de mi colega se los compró y por fin pudimos descubrir todos los temas, entre ellos ‘Civil War’, de esos que te ponen los pelos de punta desde el principio. Por supuesto, no me puedo olvidar de las versiones ‘Knockin´ on Heaven´s Door’ y ‘Live and let die’. En mi opinión, GUNS N´ ROSES eran el mejor grupo haciendo versiones de otras bandas. De hecho creo que son de los pocos grupos que sabían mejorar los temas originales. También he decir que aún siendo dos de mis discos favoritos, creo que no hacía falta que incluyesen entre ambos treinta temas. Se podían haber ahorrado alguno como ‘My World’ o algún pufo más para que quedasen discos redondos de principio a fin, pero es innegable que fueron dos discos que marcaron una época y que sin duda alguna marcaron mi adolescencia.

Tema destacado: ‘Don’ Cry’ / ‘Civil War’

Discos relacionados: BON JOVI – Keep the Faith / AEROSMITH – Get a Grip / SKID ROW – Slave to the Grind

 

SPIN DOCTORS – Pocket Full of Kryptonite, por Carlos Expósito (Web / Facebook)

Puede ser uno de los discos más importantes de mi vida. Uno de esos discos que conoces nota por nota de tanto tocar encima y, sin embargo, nunca te cansas de escucharlo. Corría el año 1993 o 1994 (creo) cuando llegó a mis manos. Spin Doctors alcanzaron el nº1 con Two Princes y quíntuple platino con un disco cuya música, sonido y ejecución siguen vigentes. Siendo la banda más prominente de la escena de jam bands neoyorquina, Spin Doctors son una mezcla irresistible de funk, rock, virtuosismo sin alardes, buenos riffs, letras de buen rollo y toneladas de groove. Este disco es como si Jimi Hendrix se hubiera comido un disco de James Brown, vuelto blanco de repente y se hubiera aliado con Larry Graham y Jeff Porcaro. Hay todo tipo de temas, predominando el "buenrollismo" durante gran parte del disco y con algunos temas más oscuros como la epica Shinbone Alley enlazada con Hard To Exist o la críptica What Time Is It?. Quizá no inventaron nada, pero abrieron la brecha al gran público para otras jam bands como The Blues Traveller o los ya entonces veteranos Phish. Y lo hicieron con un disco de 10 que hace mover la cabeza a cualquiera.  

Tema destacado: ‘Two Princes’

Discos relacionados: DAVE MATTHEWS BAND – Under the Table and Dreaming / BLUES TRAVELER – Four / PHISH – Hoist

 

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